INTRODUCCION
El tema a tratar es sobre el trabajo del Maestro Leonel Sagahon Campero, Diseñador Grafico que complementa su formación plástica con la inserción de conocimientos de las Artes Visuales a su proyección profesional, este trabajo pretende analizar la obra del maestro Sagahon, desde la óptica social y dentro de un contexto político por la Institucionalización de la Universidad Autónoma de la Ciudad de México UACM, donde presta sus servicios como académico del laboratorio de comunicación grafica, el cual es más que un espacio teórico un taller de producción plástica.
El tratamiento que daré a esta interpretación en el desarrollo de la exposición será, en primera instancia de carácter descriptivo y posteriormente interpretativo.
La parte descriptiva me permitirá tratar de comprender las motivaciones que influyeron en su trabajo y la parte de interpretación, me ayudara a tratar de dar un sentido en mi forma de ver, la manera en que aborda la problemática social y la enfoca de manera asertiva a la producción de obras que cumplen funciones cercanas a las realidades de los participantes y que dan un mayor sentido a la práctica inmediata de sus conocimientos.
ANTECEDENTES
Leonel Sagahon, es actualmente estudiante del grado de maestría en Artes Visuales orientación grabado, en la Academia de San Carlos, egresado de la Escuela de Diseño del INBA (EDNBA) como Diseñador Grafico, Académico de la Unidad de Posgrado de esta última Institución y Profesor Investigador en la carrera de Comunicación Grafica en la Universidad Autónoma de la Ciudad de México además de haber sido fundador de despachos dedicados al desarrollo de proyectos gráficos, a la fecha ha mostrado inquietud por amalgamar los conocimientos de su carrera con la libertad de expresión de las Artes Visuales, lo cual le ha permitido ampliar su campo de visión y llevar estas inquietudes al aula donde ha motivado a sus alumnos a utilizar el diseño y la comunicación grafica a favor de proyectos colectivos donde han logrado integrar en una participación activa a una gran parte de personas que se encuentran laborando o interactuando en los lugares donde han desarrollado sus ideas, como es el caso de la elaboración de carteles donde con la utilización de stenciles con imágenes de utensilios de limpieza y la participación de entrevistados, lograban imágenes con la sobreposición de sellos sobre éstos, además de obtener opiniones que vertían en hojas de papel que integraban junto con la exposición de las obras obtenidas, logrando de esta manera una mayor aceptación en la difusión de las ideas, de la misma manera ha podido crear un mural en la propia Universidad donde trabaja, con la creación de imágenes que se obtuvieron así como diversas respuestas que lograron con la pregunta a los estudiantes de diferentes áreas sobre “¿QUE ESPERAS?” esto genero una participación muy enriquecedora para los alumnos que trabajaron sobre este proyecto así como a los espectadores del mural.
Posterior a este proyecto formaron otro mural traslucido que lograron con la luz externa y la luz interna del edificio de la Universidad denominado “LA PECERA”.
Estas experiencias han dejado una inquietud adicional a la propia de la carrera y creo, a las propias ideas que se generan de la filosofía de la creación de la propia Universidad, dando un sentido más efectivo en la forma de armar un argumento, comunicarlo y lograr las respuestas inmediatas al propio proyecto, enriqueciendo una excelente retroalimentación.
CONCLUSIONES
Creo que la participación en las Artes Visuales del Maestro Leonel Sagahon, pueden continuar modificando la percepción de la forma de comunicar sus ideas fuera de los contextos rígidos del diseño pero con el orden y la sistematización necesaria para mantener una calidad de imagen y claro desarrollo conceptual, esta comunicación creo puede ser más ligera pero con la profundidad necesaria para crear necesidades y entregando satisfactores de una forma más amigable, incluso es posible crear una forma de interactuación más inmediata en virtud a la forma de cuestionar y lograr respuestas inmediatas dentro de las creencias del público al que se orientan sus propuestas, de la misma manera las generaciones de comunicadores que esta desarrollando tendrán más herramientas para crear mejores formas de comunicación.
Espacio para crear, editar y comentar trabajo de investigacion de Daniel Morales Ortiz en el area de Grabado del posgrado de Artes Visuales ACADEMIA DE SAN CARLOS - F.A.D.-U.N.A.M.
miércoles, 28 de octubre de 2009
domingo, 18 de octubre de 2009
ENSAYO SOBRE LA VISITA AL TALLER DE EXPERIMENTACION GRAFICA (TEG) DEL MAESTRO LUIS EDUARDO RICAURTE
INTRODUCCION
El tema a tratar es sobre la visita que hicimos al Taller de Experimentación Grafica la cual abordare desde una óptica de análisis de los procesos y resultados obtenidos en favor de las nuevas alternativas de intervención en diversos materiales para la producción de matrices para la impresión de obra múltiple así como de obra única.
El tratamiento que daré a esta interpretación en el desarrollo de la exposición será, en primera instancia de carácter descriptivo y posteriormente interpretativo, para recorrer la función de experimentación, producción y aportaciones a la plástica.
La parte descriptiva me permitirá ubicar la innovación, apoyos a artistas y experiencias adquiridas en los procesos de experimentación.
La parte interpretativa me ubicara sobre como entiendo las propuestas iníciales, los resultados obtenidos y la forma en que han abordado el cambio que ha determinado un rompimiento con algunos paradigmas.
ANTECEDENTES
¿Que es un Rayo Laser?
La palabra LASER significa Light Amplification by Stimulated Emission of Radiation. La palabra Light se refiere a la radiación electromagnética visible, ultravioleta o infrarroja. Las palabras claves son Amplificación by Stimulated Emission. El láser tiene la capacidad de amplificar la luz a través del fenómeno de emisión estimulada.
Los tipos de láser utilizados en la industria difieren según el material usado para producir la luz y la potencia o intensidad de la misma dándole mayor o menor eficiencia. Además de una fuente productora de luz, el rayo láser necesita de energía eléctrica, un sistema de enfriamiento, complejos sistemas ópticos como espejos, lentes y otros mecanismos.
El rayo láser, en muchas formas diferentes, es la herramienta más versátil que existe. Se usa para modificar materiales como tratamiento de calor y en la industria metalúrgica para fundición y soldadura. Además es muy útil para remover materiales como cortar, perforar y marcar. Otras aplicaciones se encuentran en la comunicación con fibra óptica, imprenta, grabación, discos ópticos y escaneo. Los tipos de láser que se usan para grabar son generalmente de baja potencia, completamente protegidos y están diseñados y fabricados para operarlos fácilmente. Hay ciertas ventajas de usar el láser sobre otros métodos. El láser produce una marca sin contacto, por lo tanto, no hay desgastes de piezas como con otros sistemas y reduce el daño y deformación de materiales.
La marca es permanente, concisa y limpia. También se pueden grabar materiales que de otra forma no se pueden grabar. esto incluye madera, goma y otros.
TALLER DE EXPERIMENTACIÓN GRÁFICA
Luis Eduardo Ricaurte es un artista plástico naturalizado Mexicano y que se formo como artista plástico en su natal Colombia para después obtener su Maestría en Máster of División of Fine Arts en la Universidad de Illinois, EUA y la Maestría en Artes Plásticas en el Instituto Departamental de Bellas Artes de Cali, Colombia, en México estudio la Maestría en Historia del Arte en la UNAM. En el año 2003 crea el Taller de Experimentación Grafica (TEG) en virtud a una necesidad de trabajar y aportar nuevas ideas sobre el arte plástico, dirigiéndose de manera exitosa dentro del área del grabado y la estampación, originalmente nace su inquietud dentro de las actividades que realizara en un taller donde se producían trabajos de tipo publicitario e industrial, entrando en contacto con los proveedores de equipos que facilitaban la maquila de corte sobre vinil con maquinas que utilizaban el rayo laser dentro de sus procesos, esta situación determino que pidieran el apoyo en el área de ingeniería de algunas compañías para la creación de un programa con características especiales para la lectura y ejecución de tareas diferentes a las necesarias para la industrias antes mencionadas, no obstante el desconcierto que se generaba al proponer una forma de incisión y corte en placas de diversos materiales ya que el personal técnico no se explicaba del porque crear placas que se utilizaran en la reproducción de originales gráficos si se podía incidir directamente sobre el material a trabajar con este medio, no obstante logro su propósito derribando de esta manera un Paradigma y dejando una inquietud que redundaría en una sofisticación técnica que actualmente ha permitido avances en la producción comercial y publicitaría, es muy posible que estas ideas que rebotaban en la mente de Luis Ricaurte hayan sido producto de inquietudes de otros artistas como las mencionadas en los siguientes párrafos extraídos de la pagina del maestro Ricaurte:
“Podemos situar el nacimiento de la xilografía fotográfica por medio del heliorelieve en el taller de Tampa Florida conocido como Graphic Studio. Ahí, en 1989, el artista Philip Pearlstein llegó en 1989 con la idea de realizar una compleja obra xilográfica de generosas dimensiones (102 x 302 cm). Se trataba de una vista del Valle de Cidrón en Jerusalem, para la cual requería trasladar una fotografía hacia la plancha de madera y después intervenirla dibujísticamente e incidiendo en la plancha, para generar diversas texturas en la tierra, los árboles y las construcciones del paisaje, además de distintos colores. El equipo de Graphic Studio, acostumbrados a los retos técnicos que les lanzan los creadores, se propuso desarrollar un método de trabajo específico para solucionar los requerimientos de la pieza, por lo que finalmente Deli Sacilotto inventó la técnica aludida, pero en cuya implementación participaron Eric Vontillius, Tom Pruitt, Allan Holubeck y Geroge Holzer . Dejo a continuación que sea Vontillius, quien con sus propias palabras nos resuma el proceso de realización de esta obra y por ende la invención de la técnica: “ El intrincado diseño de la vista del Valle de Cidrón requirió de diversos efectos de dibujo y pintura en 18 bloques de madera. Los problemas que se presentaron –las dificultades de registro, sutilezas de línea y deslavado, los detalles complicados y el enorme volumen del tallado—incitaron a la invención de un método fotográfico para la xilografía. Pearlstein pudo hacer su dibujo modelo (y los dibujos en registro para todos los bloques sucesivos) sobre Mylar, un medio transparente. Expusimos los dibujos sobre película fotosensible y después tallamos los bloques por medio de un limpiador de chorro de arena (mejor conocido como sand blast. nota del autor). El artista completó el proceso, utilizando una ruleta manual en algunas de las partes de los bloques. Se entintaron las superficies y se imprimieron.” En los años sucesivos a esta invención gráfica, importantes artistas de varias partes del mundo la han trabajado en Graphic Studio, por citar unos nombres menciono a Sandro Chia, Roy Lichenstein, Jime Dine y Jürgen Patenheimer.
Ahora, Luis Eduardo Ricaurte decidió experimentar este proceso con el sustituto láser del sand blast y saltarse el proceso fotográfico tradicional, trabajando con fotografía digital. La herramienta tecnológica es utilizada para realizar imágenes comerciales destinadas al mundo de la publicidad, pero él se propuso trabajar el proceso con intenciones artísticas, incidiendo en ocasiones la madera, jugando con la composición de la imagen fotográfica en la pantalla de la computadora y aprovechando la nueva tecnología. Impresas sin embargo en una prensa tradicional. El resultado es un híbrido entre xilografía tradicional, foto y una tecnología reciente. Es asombroso constatar cómo la tecnología se desarrolla tan vertiginosamente en la actualidad, que una técnica inventada hace apenas quince años puede ser reconfigurada por un creador atento a los adelantos tecnológicos. Cabe recordar que el Taller de Experimentación Gráfica tendrá espacio también para la xilografía tradicional y el grabado en metal en sus distintas vertientes, junto con vídeo y gráfica digital. Contará así mismo con espacio para cuatro residentes, ya sea del extranjero o del interior de la República.
Nombraremos esta técnica con el largo pero preciso nombre de “xilografía fotográfica digital y láser”, misma que ha producido ya notables imágenes de la autoría de Ricaurte, las que en su resolución ya señalan las amplias posibilidades expresivas y estéticas de este nuevo proceso para la estampa. En gran parte de los trabajos realizados hasta ahora, el artista ha decidido obviar su utilización de la madera, dejando que las vetas flamígeras, las líneas dibujadas como por arado, los nudos como miradas ojerosas y concéntricas, generen una textura, un fondo donde las imágenes fotográficas flotan o se integran. Buscando las posibilidades del nuevo medio, Ricaurte ha bloqueado algunas franjas o zonas de la madera en ciertos trabajos, generando gruesas líneas blancas que fragmentan la imagen pero refrescan la composición. En otras piezas, se ha abocado a trabajar a partir del negativo de la imagen, haciendo que la presencia humana se vuelva fantasmal en medio de la noche de tinta negra, aprovechando otra vez el rayado de la tabla para simular que la figura irradia en su cualidad inasible. Una solución atinadísima es aquella en que aparece una vista nocturna y callejera con un rostro en primer plano, es capturada con un barrido fotográfico muy simple de realizar con las cámaras digitales, pero cuyas cualidades expresivas encajan perfectamente con las líneas horizontales de esta plancha y que se vuelve aún más misteriosa, gracias al nudo de la madera que casi desde el centro de la composición pareciera una gran ojo que vislumbra y levita en la imagen. Así también hay ya obras de grandes dimensiones realizadas con dos, tres y hasta cuatro planchas de madera para configurar una sola aunque recortada estampa.
De hecho, la obra más relevante del conjunto, es quizá una estampa gris, realizada en cuatro partes, misma que por su fragmentación invitó al grabador ha trabajar a partir de un conjunto de fotografías de manos que se superponen, se tocan, se cruzan, se agarran, señalan, se abre y generan en conjunto una compleja trama de piel y dedos y uñas, deformados o trabajadas además con el photoshop para reforzar el discurso y expresividad de esta enigmática pero efectiva imagen.
Hasta el momento, Ricaurte se ha abocado a realizar propuestas monocromáticas, pero se abre la posibilidad de que se puedan realizar trabajos en diversos colores y por lo pronto, estas obras iniciales apuntan a que en breve tendremos una de las exposiciones más destacadas e interesantes de este artista, quien está próximo a concretar una muestra en el Centro Cultural Recoleta, de Buenos Aires, importante espacio vanguardista de Sudamérica que en noviembre cumple 25 años de existencia." (1)
“A decir de Ricaurte, este espacio es un lugar de experimentación, tanto para él -que emplea en su búsqueda creativa tecnología de punta- como para otros artistas que son invitados por el TEG, en un proceso dialéctico, de conversación entre creadores en el que Ricaurte comparte su técnica de lásergrafia. Agrega, por otra parte, Jaime Tamayo, curador de este lugar, que "el uso experimental del láser en la producción de grabado en diversos materiales como el acrílico, la madera, el metal y la piedra, ha sido una de las mayores aportaciones de su trabajo al quehacer gráfico mundial".
El artista señala que también han hecho alianzas internacionales con sitios como el Museo Rojas de Argentina, que es el museo de la UBA, para enviar trabajos de artistas desde México para que se expongan allá. También está el Museo Nacional de la Estampa de Argentina, y tenemos un espacio en Colombia, en Cartagena... También estamos en negociaciones con la Organización Nelson Garrido (ONG), y con el Museo de Arte Moderno La Tertulia que tiene una vocación gráfica y que alberga a un ente desarrollado entre México Y Colombia, que se llama Espacio Temporal que es un "escaparate de todo lo que se produce en el TEG". (2)
Por otro lado hemos visto que la creatividad y su necesidad de utilizar herramientas nuevas han pautado la participación en un inicio con la problemática propia de cualquier investigación y su aplicación practica, sin embargo a la fecha ha generado inquietudes en entidades como el Tamarind Institute con la finalidad de aprovechar este conocimiento y ver la posibilidad de integrar en sus procesos de enseñanza y aplicación en la litografía de las nuevas tecnologías que nos permiten crear desde un programa como Ilustrator, Photoshop o Corel, y apreciar el resultado final de la obra para su posterior trabajo en los diferentes materiales de la matriz, es posible tengan una repercusión importante en las nuevas producciones que se generen en este Instituto y se aprovechen materiales con mayor dureza y textura como el mármol y se logren mayores tirajes y se derriben algunos paradigmas que por citar el más frecuente, es la falta de manejo artesanal en la intervención de los materiales, sin embargo creo que no debemos olvidar la incursión que tuvieron nuestros antepasados de pasar de un stencil primitivo (la propia mano) para lograr una imagen en un muro de alguna cueva hasta la utilización de herramientas que facilitaron la inserción de imágenes en diversos medios.
Al igual que el mismo Durero y Da`vinci utilizaron la cámara oscura para copiar imágenes con mayor exactitud y rapidez, como de la misma manera, el desarrollo y sofisticación en los procesos de creación dentro de la xilografía, donde se aprovecharon herramientas más finas y precisas que fueron desde una simple herramienta para marcar la madera hasta las gubias más duras y afiliadas, desde un frotamiento del soporte sobre la matriz hasta la utilización de prensas o tórculos, desde el arduo trabajo con el buril hasta el uso del aguafuerte, y así podemos enumerar muchas más aplicaciones e instrumentos que facilitaron la producción del arte en todas sus manifestaciones.
CONCLUSIONES
Es pues estas ideas, necesidades e inquietudes del Maestro Ricaurte que a la fecha han logrado resultados interesantes en la producción de obras tanto personales como de otros artistas, que son atraídos por la técnica novedosa que deja experiencias con las que se podrán retomar nuevas rutas de producción dentro de la plástica tradicional, específicamente en lo referente a la grafica, sin embargo las posibilidades de esta herramienta a la fecha son ilimitadas en virtud de su versatilidad, manejo y cuestionamientos con respecto a la forma de producción artesanal que aún se sigue manejando, estos paradigmas en breve será derribados por las nuevas generaciones que cada vez se vienen desarrollando dentro de una tecnología al alcance de todos a nivel domestico, ya que desde hace unos 25 años se ha impulsado el manejo de programas con juegos que han determinado la habilidad e inquietudes de las personas que nos hemos visto envueltos en ellos y por ende la experimentación en los diversos niveles de complejidad que van desde el Office hasta los programas de diseño y creación 3D.
Lo anterior nos lleva a retomar las nuevas formas en que han utilizado al rayo laser a nivel científico y para preservación de datos de identificación contenidos en los elementos de seguridad que se utilizan en los recubrimientos de cerámica de los transbordadores espaciales que permiten no se destruyan dichos vehículos por efecto de la velocidad, fricción y cambio de atmosfera, esto en virtud a que la información que tiene que ser inserta en algunas placas del fuselaje se ha manejado de manera similar a los esmaltes tradicionales, sin embargo han logrado fusionar molecularmente los pigmentos en la cerámica con el rayo laser, esto nos puede dar una idea de la aplicación que se podría implementar dentro de la producción de piezas menores o escultóricas de este material y otros sujetos a experimentación, con resultados más limpios, exactos, duraderos y de más rápida producción.
Así mismo aquella ambientación que se logra en los centro nocturnos y ambientaciones publicas que a la fecha solo generan imágenes virtuales en planos establecidos, pudieran modificarse con una mayor potencia para trasladar imágenes logradas en los computadores de manera permanente en áreas establecidas para tal fin logrando una propuesta plástica diferente, otro paradigma próximo a derribarse.
(1) Fernando Gálvez
http://www.luisricaurte.com/grafica_contemporanea.htm
17 Octubre 2009 20:00 hrs.
(2) Filemón Alfonso Miranda
http://blogs.periodistadigital.com/elpinche.php/2007/10/08/p120500
17 octubre 2009 20:00 hrs
El tema a tratar es sobre la visita que hicimos al Taller de Experimentación Grafica la cual abordare desde una óptica de análisis de los procesos y resultados obtenidos en favor de las nuevas alternativas de intervención en diversos materiales para la producción de matrices para la impresión de obra múltiple así como de obra única.
El tratamiento que daré a esta interpretación en el desarrollo de la exposición será, en primera instancia de carácter descriptivo y posteriormente interpretativo, para recorrer la función de experimentación, producción y aportaciones a la plástica.
La parte descriptiva me permitirá ubicar la innovación, apoyos a artistas y experiencias adquiridas en los procesos de experimentación.
La parte interpretativa me ubicara sobre como entiendo las propuestas iníciales, los resultados obtenidos y la forma en que han abordado el cambio que ha determinado un rompimiento con algunos paradigmas.
ANTECEDENTES
¿Que es un Rayo Laser?
La palabra LASER significa Light Amplification by Stimulated Emission of Radiation. La palabra Light se refiere a la radiación electromagnética visible, ultravioleta o infrarroja. Las palabras claves son Amplificación by Stimulated Emission. El láser tiene la capacidad de amplificar la luz a través del fenómeno de emisión estimulada.
Los tipos de láser utilizados en la industria difieren según el material usado para producir la luz y la potencia o intensidad de la misma dándole mayor o menor eficiencia. Además de una fuente productora de luz, el rayo láser necesita de energía eléctrica, un sistema de enfriamiento, complejos sistemas ópticos como espejos, lentes y otros mecanismos.
El rayo láser, en muchas formas diferentes, es la herramienta más versátil que existe. Se usa para modificar materiales como tratamiento de calor y en la industria metalúrgica para fundición y soldadura. Además es muy útil para remover materiales como cortar, perforar y marcar. Otras aplicaciones se encuentran en la comunicación con fibra óptica, imprenta, grabación, discos ópticos y escaneo. Los tipos de láser que se usan para grabar son generalmente de baja potencia, completamente protegidos y están diseñados y fabricados para operarlos fácilmente. Hay ciertas ventajas de usar el láser sobre otros métodos. El láser produce una marca sin contacto, por lo tanto, no hay desgastes de piezas como con otros sistemas y reduce el daño y deformación de materiales.
La marca es permanente, concisa y limpia. También se pueden grabar materiales que de otra forma no se pueden grabar. esto incluye madera, goma y otros.
TALLER DE EXPERIMENTACIÓN GRÁFICA
Luis Eduardo Ricaurte es un artista plástico naturalizado Mexicano y que se formo como artista plástico en su natal Colombia para después obtener su Maestría en Máster of División of Fine Arts en la Universidad de Illinois, EUA y la Maestría en Artes Plásticas en el Instituto Departamental de Bellas Artes de Cali, Colombia, en México estudio la Maestría en Historia del Arte en la UNAM. En el año 2003 crea el Taller de Experimentación Grafica (TEG) en virtud a una necesidad de trabajar y aportar nuevas ideas sobre el arte plástico, dirigiéndose de manera exitosa dentro del área del grabado y la estampación, originalmente nace su inquietud dentro de las actividades que realizara en un taller donde se producían trabajos de tipo publicitario e industrial, entrando en contacto con los proveedores de equipos que facilitaban la maquila de corte sobre vinil con maquinas que utilizaban el rayo laser dentro de sus procesos, esta situación determino que pidieran el apoyo en el área de ingeniería de algunas compañías para la creación de un programa con características especiales para la lectura y ejecución de tareas diferentes a las necesarias para la industrias antes mencionadas, no obstante el desconcierto que se generaba al proponer una forma de incisión y corte en placas de diversos materiales ya que el personal técnico no se explicaba del porque crear placas que se utilizaran en la reproducción de originales gráficos si se podía incidir directamente sobre el material a trabajar con este medio, no obstante logro su propósito derribando de esta manera un Paradigma y dejando una inquietud que redundaría en una sofisticación técnica que actualmente ha permitido avances en la producción comercial y publicitaría, es muy posible que estas ideas que rebotaban en la mente de Luis Ricaurte hayan sido producto de inquietudes de otros artistas como las mencionadas en los siguientes párrafos extraídos de la pagina del maestro Ricaurte:
“Podemos situar el nacimiento de la xilografía fotográfica por medio del heliorelieve en el taller de Tampa Florida conocido como Graphic Studio. Ahí, en 1989, el artista Philip Pearlstein llegó en 1989 con la idea de realizar una compleja obra xilográfica de generosas dimensiones (102 x 302 cm). Se trataba de una vista del Valle de Cidrón en Jerusalem, para la cual requería trasladar una fotografía hacia la plancha de madera y después intervenirla dibujísticamente e incidiendo en la plancha, para generar diversas texturas en la tierra, los árboles y las construcciones del paisaje, además de distintos colores. El equipo de Graphic Studio, acostumbrados a los retos técnicos que les lanzan los creadores, se propuso desarrollar un método de trabajo específico para solucionar los requerimientos de la pieza, por lo que finalmente Deli Sacilotto inventó la técnica aludida, pero en cuya implementación participaron Eric Vontillius, Tom Pruitt, Allan Holubeck y Geroge Holzer . Dejo a continuación que sea Vontillius, quien con sus propias palabras nos resuma el proceso de realización de esta obra y por ende la invención de la técnica: “ El intrincado diseño de la vista del Valle de Cidrón requirió de diversos efectos de dibujo y pintura en 18 bloques de madera. Los problemas que se presentaron –las dificultades de registro, sutilezas de línea y deslavado, los detalles complicados y el enorme volumen del tallado—incitaron a la invención de un método fotográfico para la xilografía. Pearlstein pudo hacer su dibujo modelo (y los dibujos en registro para todos los bloques sucesivos) sobre Mylar, un medio transparente. Expusimos los dibujos sobre película fotosensible y después tallamos los bloques por medio de un limpiador de chorro de arena (mejor conocido como sand blast. nota del autor). El artista completó el proceso, utilizando una ruleta manual en algunas de las partes de los bloques. Se entintaron las superficies y se imprimieron.” En los años sucesivos a esta invención gráfica, importantes artistas de varias partes del mundo la han trabajado en Graphic Studio, por citar unos nombres menciono a Sandro Chia, Roy Lichenstein, Jime Dine y Jürgen Patenheimer.
Ahora, Luis Eduardo Ricaurte decidió experimentar este proceso con el sustituto láser del sand blast y saltarse el proceso fotográfico tradicional, trabajando con fotografía digital. La herramienta tecnológica es utilizada para realizar imágenes comerciales destinadas al mundo de la publicidad, pero él se propuso trabajar el proceso con intenciones artísticas, incidiendo en ocasiones la madera, jugando con la composición de la imagen fotográfica en la pantalla de la computadora y aprovechando la nueva tecnología. Impresas sin embargo en una prensa tradicional. El resultado es un híbrido entre xilografía tradicional, foto y una tecnología reciente. Es asombroso constatar cómo la tecnología se desarrolla tan vertiginosamente en la actualidad, que una técnica inventada hace apenas quince años puede ser reconfigurada por un creador atento a los adelantos tecnológicos. Cabe recordar que el Taller de Experimentación Gráfica tendrá espacio también para la xilografía tradicional y el grabado en metal en sus distintas vertientes, junto con vídeo y gráfica digital. Contará así mismo con espacio para cuatro residentes, ya sea del extranjero o del interior de la República.
Nombraremos esta técnica con el largo pero preciso nombre de “xilografía fotográfica digital y láser”, misma que ha producido ya notables imágenes de la autoría de Ricaurte, las que en su resolución ya señalan las amplias posibilidades expresivas y estéticas de este nuevo proceso para la estampa. En gran parte de los trabajos realizados hasta ahora, el artista ha decidido obviar su utilización de la madera, dejando que las vetas flamígeras, las líneas dibujadas como por arado, los nudos como miradas ojerosas y concéntricas, generen una textura, un fondo donde las imágenes fotográficas flotan o se integran. Buscando las posibilidades del nuevo medio, Ricaurte ha bloqueado algunas franjas o zonas de la madera en ciertos trabajos, generando gruesas líneas blancas que fragmentan la imagen pero refrescan la composición. En otras piezas, se ha abocado a trabajar a partir del negativo de la imagen, haciendo que la presencia humana se vuelva fantasmal en medio de la noche de tinta negra, aprovechando otra vez el rayado de la tabla para simular que la figura irradia en su cualidad inasible. Una solución atinadísima es aquella en que aparece una vista nocturna y callejera con un rostro en primer plano, es capturada con un barrido fotográfico muy simple de realizar con las cámaras digitales, pero cuyas cualidades expresivas encajan perfectamente con las líneas horizontales de esta plancha y que se vuelve aún más misteriosa, gracias al nudo de la madera que casi desde el centro de la composición pareciera una gran ojo que vislumbra y levita en la imagen. Así también hay ya obras de grandes dimensiones realizadas con dos, tres y hasta cuatro planchas de madera para configurar una sola aunque recortada estampa.
De hecho, la obra más relevante del conjunto, es quizá una estampa gris, realizada en cuatro partes, misma que por su fragmentación invitó al grabador ha trabajar a partir de un conjunto de fotografías de manos que se superponen, se tocan, se cruzan, se agarran, señalan, se abre y generan en conjunto una compleja trama de piel y dedos y uñas, deformados o trabajadas además con el photoshop para reforzar el discurso y expresividad de esta enigmática pero efectiva imagen.
Hasta el momento, Ricaurte se ha abocado a realizar propuestas monocromáticas, pero se abre la posibilidad de que se puedan realizar trabajos en diversos colores y por lo pronto, estas obras iniciales apuntan a que en breve tendremos una de las exposiciones más destacadas e interesantes de este artista, quien está próximo a concretar una muestra en el Centro Cultural Recoleta, de Buenos Aires, importante espacio vanguardista de Sudamérica que en noviembre cumple 25 años de existencia." (1)
“A decir de Ricaurte, este espacio es un lugar de experimentación, tanto para él -que emplea en su búsqueda creativa tecnología de punta- como para otros artistas que son invitados por el TEG, en un proceso dialéctico, de conversación entre creadores en el que Ricaurte comparte su técnica de lásergrafia. Agrega, por otra parte, Jaime Tamayo, curador de este lugar, que "el uso experimental del láser en la producción de grabado en diversos materiales como el acrílico, la madera, el metal y la piedra, ha sido una de las mayores aportaciones de su trabajo al quehacer gráfico mundial".
El artista señala que también han hecho alianzas internacionales con sitios como el Museo Rojas de Argentina, que es el museo de la UBA, para enviar trabajos de artistas desde México para que se expongan allá. También está el Museo Nacional de la Estampa de Argentina, y tenemos un espacio en Colombia, en Cartagena... También estamos en negociaciones con la Organización Nelson Garrido (ONG), y con el Museo de Arte Moderno La Tertulia que tiene una vocación gráfica y que alberga a un ente desarrollado entre México Y Colombia, que se llama Espacio Temporal que es un "escaparate de todo lo que se produce en el TEG". (2)
Por otro lado hemos visto que la creatividad y su necesidad de utilizar herramientas nuevas han pautado la participación en un inicio con la problemática propia de cualquier investigación y su aplicación practica, sin embargo a la fecha ha generado inquietudes en entidades como el Tamarind Institute con la finalidad de aprovechar este conocimiento y ver la posibilidad de integrar en sus procesos de enseñanza y aplicación en la litografía de las nuevas tecnologías que nos permiten crear desde un programa como Ilustrator, Photoshop o Corel, y apreciar el resultado final de la obra para su posterior trabajo en los diferentes materiales de la matriz, es posible tengan una repercusión importante en las nuevas producciones que se generen en este Instituto y se aprovechen materiales con mayor dureza y textura como el mármol y se logren mayores tirajes y se derriben algunos paradigmas que por citar el más frecuente, es la falta de manejo artesanal en la intervención de los materiales, sin embargo creo que no debemos olvidar la incursión que tuvieron nuestros antepasados de pasar de un stencil primitivo (la propia mano) para lograr una imagen en un muro de alguna cueva hasta la utilización de herramientas que facilitaron la inserción de imágenes en diversos medios.
Al igual que el mismo Durero y Da`vinci utilizaron la cámara oscura para copiar imágenes con mayor exactitud y rapidez, como de la misma manera, el desarrollo y sofisticación en los procesos de creación dentro de la xilografía, donde se aprovecharon herramientas más finas y precisas que fueron desde una simple herramienta para marcar la madera hasta las gubias más duras y afiliadas, desde un frotamiento del soporte sobre la matriz hasta la utilización de prensas o tórculos, desde el arduo trabajo con el buril hasta el uso del aguafuerte, y así podemos enumerar muchas más aplicaciones e instrumentos que facilitaron la producción del arte en todas sus manifestaciones.
CONCLUSIONES
Es pues estas ideas, necesidades e inquietudes del Maestro Ricaurte que a la fecha han logrado resultados interesantes en la producción de obras tanto personales como de otros artistas, que son atraídos por la técnica novedosa que deja experiencias con las que se podrán retomar nuevas rutas de producción dentro de la plástica tradicional, específicamente en lo referente a la grafica, sin embargo las posibilidades de esta herramienta a la fecha son ilimitadas en virtud de su versatilidad, manejo y cuestionamientos con respecto a la forma de producción artesanal que aún se sigue manejando, estos paradigmas en breve será derribados por las nuevas generaciones que cada vez se vienen desarrollando dentro de una tecnología al alcance de todos a nivel domestico, ya que desde hace unos 25 años se ha impulsado el manejo de programas con juegos que han determinado la habilidad e inquietudes de las personas que nos hemos visto envueltos en ellos y por ende la experimentación en los diversos niveles de complejidad que van desde el Office hasta los programas de diseño y creación 3D.
Lo anterior nos lleva a retomar las nuevas formas en que han utilizado al rayo laser a nivel científico y para preservación de datos de identificación contenidos en los elementos de seguridad que se utilizan en los recubrimientos de cerámica de los transbordadores espaciales que permiten no se destruyan dichos vehículos por efecto de la velocidad, fricción y cambio de atmosfera, esto en virtud a que la información que tiene que ser inserta en algunas placas del fuselaje se ha manejado de manera similar a los esmaltes tradicionales, sin embargo han logrado fusionar molecularmente los pigmentos en la cerámica con el rayo laser, esto nos puede dar una idea de la aplicación que se podría implementar dentro de la producción de piezas menores o escultóricas de este material y otros sujetos a experimentación, con resultados más limpios, exactos, duraderos y de más rápida producción.
Así mismo aquella ambientación que se logra en los centro nocturnos y ambientaciones publicas que a la fecha solo generan imágenes virtuales en planos establecidos, pudieran modificarse con una mayor potencia para trasladar imágenes logradas en los computadores de manera permanente en áreas establecidas para tal fin logrando una propuesta plástica diferente, otro paradigma próximo a derribarse.
(1) Fernando Gálvez
http://www.luisricaurte.com/grafica_contemporanea.htm
17 Octubre 2009 20:00 hrs.
(2) Filemón Alfonso Miranda
http://blogs.periodistadigital.com/elpinche.php/2007/10/08/p120500
17 octubre 2009 20:00 hrs
sábado, 10 de octubre de 2009
ENSAYO SOBRE LA CONFERENCIA DE MARJORIE DEVON DIRECTORA DEL TAMARIND INSTITUTE
INTRODUCCION
El tema a tratar es sobre la exposición de la Directora del Tamarind Institute Marjorie Devon la cual abordare desde una óptica de análisis y critica.
El tratamiento que daré a esta interpretación en el desarrollo de la exposición será, en primera instancia de carácter descriptivo y posteriormente interpretativo, para recorrer la función socio-cultural de esta Institución.
La parte descriptiva me permitirá ubicar las experiencias, apoyos a artistas y patrocinios que reciben para fomentar la cultura y la instrucción que manejan para formar personas que apoyaran técnicamente a diferentes propósitos de interés para el Instituto, así como la selectividad de artistas y proyectos que han tenido desde su fundación.
La parte interpretativa me ubicara sobre como entiendo las propuestas iníciales, los resultados obtenidos y la forma en que han convertido este planteamiento cultural en una gran Empresa.
ANTECEDENTES
Marjorie Devon, Directora de Tamarind Institute habla sobre el coleccionismo en la grafica haciendo énfasis sobre el desarrollo del grabado en Norteamérica, de esta manera pone especial atención sobre dos mujeres que por una visión empresaria dentro de las artes, dan un gran impulso a los sistemas de producción de arte masivo, empezando por Tatiana Grossman quien en 1957 funda en Nueva York, United Limited Art Editions a raíz de la muerte de su esposo que se dedico a la comercialización de reproducciones de arte, sin embargo con una visión mas innovadora, convence a algunos artistas para que utilicen los sistemas de reproducción serial para la generación de obras de arte originales, para lo cual aprovecha la facilidad de adquirir una prensa litográfica que se da en el preciso momento de tener esta idea, además de otra situación fortuita que se da a la par con el descubrimiento del camino que estaba a un lado de su casa que estaba construido con piedras litográficas, esto es aprovechado para mantener un stock suficiente de piedras para que fueran trabajadas por los artistas jóvenes de la época, que por su inercia revolucionaria aceptan la propuesta de empezar a producir litografías, estos jóvenes artistas se desarrollan al grado de llegar a ser las figuras más representativas del arte norteamericano como son Claes Oldenburg, James Rosenquist, Robert Motherwell, Jasper Johns, Roy Lichtenstein, etc., a la fecha se mantiene esta labor y esta empresa continua logrando impresiones de artistas actuales muy importantes haciendo obras también muy importantes, de ahí que surge un slogan que dice “Estos artistas, son buenos artistas – y buenos artistas hacen buenos grabados” esto último tomado literalmente de la ponencia, sin embargo posteriormente se hace la aclaración que la Ponente confundió el termino de Grabado con el de Litografía.
Así mismo en la ciudad de Los Ángeles, una artista realista llamada June Wayne tuvo intentos importantes en la producción de obra litográfica, por lo que para lograr un mejor desempeño se traslada a Paris donde trabaja arduamente y genera un prestigio, lo cual le permite ser considerada por la Fundación Ford de quienes recibe una carta donde le piden nominar artistas para ser becados por esta asociación, situación que aprovecha para dar un enfoque más ambicioso al proyecto y le pide a la Fundación que en lugar de mantener una inercia individual de apoyo a las artes, se enfocaran los esfuerzos en tratar de sostener el arte de una manera más proactiva, de esta manera surge en 1960 el Tamarind Lythography Workshop, la idea principal de June se basa en la necesidad de dar un orden a los procesos creativos y de producción de los artistas, que están convertidos en creadores y productores al mismo tiempo, esto conlleva a un arduo trabajo de convencimiento a los mismos Artistas, curadores, dueños de galerías, y público en general para diversificar la litografía en dos grandes rubros, el primero con el Artista creador que se enfoque a dar forma a sus ideas y no distraerse en al trabajo de la impresión, y el segundo no menos importante, el Maestro Impresor que dará forma a la obra del artista, esta nueva forma de producción permite dos grandes calidades en el trabajo final, la producción creadora y la producción técnica.
A la fecha el Tamarind está íntimamente ligado a dos grandes entidades de donde reciben apoyo económico para su mantenimiento, la Universidad de Nuevo México y la Fundación Ford, sin embargo no es suficiente para dar continuidad a la formación de maestros impresores, por lo que a lo largo de su trayectoria se financia principalmente con la producción y venta de obras litográficas de grandes artistas contemporáneos, los cuales son elegidos e invitados a ser parte del trabajo del Instituto, por la importancia de su firma, producción y presencia en el mercado del arte, de la misma manera acepta que otros artistas de menor importancia, se acerquen para que les sean impresas sus obras a cambio de un costo de producción que es caro, pero que al final de cuentas lleva la prestigiada firma del Instituto lo cual eleva el precio de las obras, principalmente por la calidad de impresión.
En segundo término está la generación de fondos por las colegiaturas que pagan los estudiantes que tienen acceso al Instituto para aprender las técnicas de impresión y salgan con el título de Maestro Impresor, como es el caso de Plinio Ávila que trabajo en el Tamarind el 1992 y a la fecha es el maestro impresor del museo Manuel Felguerez en Zacatecas, por otro lado también tienen talleres de actualización para profesionales de la litografía dentro del programa Profesional Printer Training,
El Instituto siempre se ha mantenido por investigar todo lo nuevo que afecte las producciones litográficas, tanto en técnicas como en químicos o papeles, lo cual les ha dado autoridad sobre el tema, en 1971 publicaron un libro que a la fecha ha sido actualizado y sale al mercado con un nuevo título “Tamarind Techniques for fine Art Lithography, están en vías de crear un evento que magnifique su 50 aniversario y parece ser que tienen pensado continuarlo en México en virtud que están de acuerdo en la importancia que se ha dado aquí a la producción de la litografía, por otro lado, a la fecha y de ahí que hayamos tenido la ventaja de esta conferencia, estuvieron en México invitados por el Maestro Luis Ricaurte quien se ha destacado principalmente por la innovación en los procesos automatizados en la generación de obra a través de la utilización de programas de ilustración y su transferencia de datos a un pantógrafo laser que permite lograr trabajos más rápidos, exactos y con mayores calidades en su presentación, se hicieron pruebas con varias piedras litográficas con algunas obras del Maestro Ricaurte, con éxito, considero que esta tecnología podría ser una de tantas investigaciones del Tamarind y que posteriormente la incorporen a sus procesos de producción.
De acuerdo a lo anterior, y aprovechando la intervención que tuvo en la conferencia del Maestro Leo Acosta, coincido en que el Instituto es creado con una finalidad de dar una continuidad industrial y comercial a los procesos creativos que se vierten en la técnica litográfica.
Por la propia forma de ser del ciudadano norteamericano, ha sabido manejar la formación de personal técnico especializado que se enfoca a satisfacer las demandas de las obras presentadas y por ende de los artistas a quienes se atiende, sin entrar en conflicto con estos últimos, ha logrado mantener una inercia de actualización de los procesos técnicos, químicos y físicos que logran calidades extraordinarias en la producción y por lo tanto gran aceptación dentro del mercado de las artes.
La formación de Maestros impresores ha permitido se venga consolidando una nueva generación de apoyos técnicos al área creativa que permita una inercia de calidad en las obras, lo cual genera un equipo de alto desempeño a favor del mercado del arte, por ende una mejor comercialización de la obra, en donde se da la formula, Artista Creador>Maestro Impresor>Comerciante de Arte.
CONCLUSIONES
Creo que la inicial función socio-cultural del Tamarind, se ve incrementada con la actividad económica que permite una derrama importante a las areas involucradas y un profesionalismo que juega papeles independientes pero interactivos entre sí, no obstante siempre existe la posibilidad de que el propio artista se capacite y genere una doble función, no tanto por el ahorro que se obtendría al dividir con el Maestro Impresor, sino por la necesidad de intervenir, redefinir y agregar nuevas formas a la idea original en el trabajo en la matriz, esto enriquece la obra por el mismo contacto con el material trabajado, esto da continuidad con las pruebas de estado, no obstante también es posible aceptar de parte de los artistas un proyecto que puede ser trabajado íntegramente por el Maestro Impresor poniendo a consideración el avance de la obra para determinar la impresión final.
Por otro lado si mantenemos una visión a futuro, las nuevas tecnologías nos permiten crear desde un programa como Ilustrator, Photoshop o corel, y apreciar el resultado final de la obra para su posterior trabajo en los diferentes materiales de la matriz, estas que se realizaron en el Taller de Experimentación Grafica del Maestro Luis Eduardo Ricaurte, es posible tengan una repercusión importante en las nuevas producciones que se generen en este Instituto y se aprovechen materiales con mayor dureza y textura como el mármol y se logren mayores tirajes y se derriben algunos paradigmas.
El tema a tratar es sobre la exposición de la Directora del Tamarind Institute Marjorie Devon la cual abordare desde una óptica de análisis y critica.
El tratamiento que daré a esta interpretación en el desarrollo de la exposición será, en primera instancia de carácter descriptivo y posteriormente interpretativo, para recorrer la función socio-cultural de esta Institución.
La parte descriptiva me permitirá ubicar las experiencias, apoyos a artistas y patrocinios que reciben para fomentar la cultura y la instrucción que manejan para formar personas que apoyaran técnicamente a diferentes propósitos de interés para el Instituto, así como la selectividad de artistas y proyectos que han tenido desde su fundación.
La parte interpretativa me ubicara sobre como entiendo las propuestas iníciales, los resultados obtenidos y la forma en que han convertido este planteamiento cultural en una gran Empresa.
ANTECEDENTES
Marjorie Devon, Directora de Tamarind Institute habla sobre el coleccionismo en la grafica haciendo énfasis sobre el desarrollo del grabado en Norteamérica, de esta manera pone especial atención sobre dos mujeres que por una visión empresaria dentro de las artes, dan un gran impulso a los sistemas de producción de arte masivo, empezando por Tatiana Grossman quien en 1957 funda en Nueva York, United Limited Art Editions a raíz de la muerte de su esposo que se dedico a la comercialización de reproducciones de arte, sin embargo con una visión mas innovadora, convence a algunos artistas para que utilicen los sistemas de reproducción serial para la generación de obras de arte originales, para lo cual aprovecha la facilidad de adquirir una prensa litográfica que se da en el preciso momento de tener esta idea, además de otra situación fortuita que se da a la par con el descubrimiento del camino que estaba a un lado de su casa que estaba construido con piedras litográficas, esto es aprovechado para mantener un stock suficiente de piedras para que fueran trabajadas por los artistas jóvenes de la época, que por su inercia revolucionaria aceptan la propuesta de empezar a producir litografías, estos jóvenes artistas se desarrollan al grado de llegar a ser las figuras más representativas del arte norteamericano como son Claes Oldenburg, James Rosenquist, Robert Motherwell, Jasper Johns, Roy Lichtenstein, etc., a la fecha se mantiene esta labor y esta empresa continua logrando impresiones de artistas actuales muy importantes haciendo obras también muy importantes, de ahí que surge un slogan que dice “Estos artistas, son buenos artistas – y buenos artistas hacen buenos grabados” esto último tomado literalmente de la ponencia, sin embargo posteriormente se hace la aclaración que la Ponente confundió el termino de Grabado con el de Litografía.
Así mismo en la ciudad de Los Ángeles, una artista realista llamada June Wayne tuvo intentos importantes en la producción de obra litográfica, por lo que para lograr un mejor desempeño se traslada a Paris donde trabaja arduamente y genera un prestigio, lo cual le permite ser considerada por la Fundación Ford de quienes recibe una carta donde le piden nominar artistas para ser becados por esta asociación, situación que aprovecha para dar un enfoque más ambicioso al proyecto y le pide a la Fundación que en lugar de mantener una inercia individual de apoyo a las artes, se enfocaran los esfuerzos en tratar de sostener el arte de una manera más proactiva, de esta manera surge en 1960 el Tamarind Lythography Workshop, la idea principal de June se basa en la necesidad de dar un orden a los procesos creativos y de producción de los artistas, que están convertidos en creadores y productores al mismo tiempo, esto conlleva a un arduo trabajo de convencimiento a los mismos Artistas, curadores, dueños de galerías, y público en general para diversificar la litografía en dos grandes rubros, el primero con el Artista creador que se enfoque a dar forma a sus ideas y no distraerse en al trabajo de la impresión, y el segundo no menos importante, el Maestro Impresor que dará forma a la obra del artista, esta nueva forma de producción permite dos grandes calidades en el trabajo final, la producción creadora y la producción técnica.
A la fecha el Tamarind está íntimamente ligado a dos grandes entidades de donde reciben apoyo económico para su mantenimiento, la Universidad de Nuevo México y la Fundación Ford, sin embargo no es suficiente para dar continuidad a la formación de maestros impresores, por lo que a lo largo de su trayectoria se financia principalmente con la producción y venta de obras litográficas de grandes artistas contemporáneos, los cuales son elegidos e invitados a ser parte del trabajo del Instituto, por la importancia de su firma, producción y presencia en el mercado del arte, de la misma manera acepta que otros artistas de menor importancia, se acerquen para que les sean impresas sus obras a cambio de un costo de producción que es caro, pero que al final de cuentas lleva la prestigiada firma del Instituto lo cual eleva el precio de las obras, principalmente por la calidad de impresión.
En segundo término está la generación de fondos por las colegiaturas que pagan los estudiantes que tienen acceso al Instituto para aprender las técnicas de impresión y salgan con el título de Maestro Impresor, como es el caso de Plinio Ávila que trabajo en el Tamarind el 1992 y a la fecha es el maestro impresor del museo Manuel Felguerez en Zacatecas, por otro lado también tienen talleres de actualización para profesionales de la litografía dentro del programa Profesional Printer Training,
El Instituto siempre se ha mantenido por investigar todo lo nuevo que afecte las producciones litográficas, tanto en técnicas como en químicos o papeles, lo cual les ha dado autoridad sobre el tema, en 1971 publicaron un libro que a la fecha ha sido actualizado y sale al mercado con un nuevo título “Tamarind Techniques for fine Art Lithography, están en vías de crear un evento que magnifique su 50 aniversario y parece ser que tienen pensado continuarlo en México en virtud que están de acuerdo en la importancia que se ha dado aquí a la producción de la litografía, por otro lado, a la fecha y de ahí que hayamos tenido la ventaja de esta conferencia, estuvieron en México invitados por el Maestro Luis Ricaurte quien se ha destacado principalmente por la innovación en los procesos automatizados en la generación de obra a través de la utilización de programas de ilustración y su transferencia de datos a un pantógrafo laser que permite lograr trabajos más rápidos, exactos y con mayores calidades en su presentación, se hicieron pruebas con varias piedras litográficas con algunas obras del Maestro Ricaurte, con éxito, considero que esta tecnología podría ser una de tantas investigaciones del Tamarind y que posteriormente la incorporen a sus procesos de producción.
De acuerdo a lo anterior, y aprovechando la intervención que tuvo en la conferencia del Maestro Leo Acosta, coincido en que el Instituto es creado con una finalidad de dar una continuidad industrial y comercial a los procesos creativos que se vierten en la técnica litográfica.
Por la propia forma de ser del ciudadano norteamericano, ha sabido manejar la formación de personal técnico especializado que se enfoca a satisfacer las demandas de las obras presentadas y por ende de los artistas a quienes se atiende, sin entrar en conflicto con estos últimos, ha logrado mantener una inercia de actualización de los procesos técnicos, químicos y físicos que logran calidades extraordinarias en la producción y por lo tanto gran aceptación dentro del mercado de las artes.
La formación de Maestros impresores ha permitido se venga consolidando una nueva generación de apoyos técnicos al área creativa que permita una inercia de calidad en las obras, lo cual genera un equipo de alto desempeño a favor del mercado del arte, por ende una mejor comercialización de la obra, en donde se da la formula, Artista Creador>Maestro Impresor>Comerciante de Arte.
CONCLUSIONES
Creo que la inicial función socio-cultural del Tamarind, se ve incrementada con la actividad económica que permite una derrama importante a las areas involucradas y un profesionalismo que juega papeles independientes pero interactivos entre sí, no obstante siempre existe la posibilidad de que el propio artista se capacite y genere una doble función, no tanto por el ahorro que se obtendría al dividir con el Maestro Impresor, sino por la necesidad de intervenir, redefinir y agregar nuevas formas a la idea original en el trabajo en la matriz, esto enriquece la obra por el mismo contacto con el material trabajado, esto da continuidad con las pruebas de estado, no obstante también es posible aceptar de parte de los artistas un proyecto que puede ser trabajado íntegramente por el Maestro Impresor poniendo a consideración el avance de la obra para determinar la impresión final.
Por otro lado si mantenemos una visión a futuro, las nuevas tecnologías nos permiten crear desde un programa como Ilustrator, Photoshop o corel, y apreciar el resultado final de la obra para su posterior trabajo en los diferentes materiales de la matriz, estas que se realizaron en el Taller de Experimentación Grafica del Maestro Luis Eduardo Ricaurte, es posible tengan una repercusión importante en las nuevas producciones que se generen en este Instituto y se aprovechen materiales con mayor dureza y textura como el mármol y se logren mayores tirajes y se derriben algunos paradigmas.
ENSAYO SOBRE LA OBRA DEL MAESTRO ALEJANDRO PEREZ CRUZ
INTRODUCCION
El tema a tratar es sobre la obra del maestro Alejandro Pérez Cruz, desde la óptica social y dentro de un contexto poético de interpretación sobre las realidades cotidianas que dejaron huella en la intimidad del artista y que se profundizan en su formación profesional.
El tratamiento que daré a esta interpretación en el desarrollo de la exposición será, en primera instancia de carácter descriptivo y posteriormente interpretativo, dando un orden un tanto cronológico no rigorista sino con una libertad para recorrer un poco la trayectoria apreciativa de lo cotidiano del artista, con la finalidad de encontrar el punto de coincidencia entre sus percepciones analíticas y la transferencia que hace de sus ideas a la estética de su obra.
La parte descriptiva me permitirá tratar de comprender las motivaciones que influyeron en su trabajo y la parte de interpretación, me ayudara a tratar de dar un sentido en mi forma de ver, la manera en que aborda la problemática social que nos afecta a todos, pero solo algunas personas como es el caso del Maestro Pérez Cruz, toca con una profundidad reflexiva
ANTECEDENTES
Considerando la narrativa del Maestro Pérez Cruz, entiendo la substitución de algunos medios de comunicación como la televisión, con su forma de maximizar su sentido de observación tanto de su entorno que refleja la constante lucha diaria por mantener una forma de sobrevivencia urbana, donde lo cotidiano es algo que convierte en poesía vivida.
Esta situación da un significado a su formación interpretativa de la realidad, donde la expansión de su propia colonia da un sentido crítico sobre la forma en que las personas tienen que ser parte de la construcción material, económica, social, política y cultural de una nueva sociedad donde se funden las culturas de diversos estados de la República Mexicana para formar una sola identidad, marginada en un principio, pero a base de luchar en su conformación urbana pasa a ser parte primordial del desarrollo económico de la gran urbe en donde sus moradores encuentran acomodo subempleándose o logrando acomodarse en empresas que aseguran temporalmente la estabilidad familiar, para volver con sus familias con la posibilidad de lograr un cambio favorable en su desarrollo social y económico.
Este emerger de un caos deja una honda huella en los sentimientos del maestro Pérez Cruz, quien además logra alejarse lo suficiente de su entorno familiar para observar un crecimiento paralelo a su comunidad de la gran urbe, donde algún día tendría la oportunidad de enfrentar los grandes retos que marcarían hasta este momento su sentido crítico de observación de lo cotidiano y posiblemente intrascendente para algunos en virtud a las prioridades de cada quien que por lo regular soslayan lo importante por lo urgente, lo que nos afecta directamente y que por motivo de la costumbre dejamos de observar para solo ver.
Ese sentido crítico de ver las realidades de nuestro día a día, dan forma profunda a la expresión plástica que engloba las diversas problemáticas de la gran ciudad, caso concreto es la forma en que observó las consecuencias del gran sismo de 1985, que le toco vivir de cerca y gracias a su sentido creativo y no importando los medios de producción, dio rienda suelta a su talento interpretativo, utilizando para ello cualquier instrumento para aplicar trazos gestuales en soportes improvisados que dieron fuerza a su propuesta de comunicación, esta forma de hacer arte, influiría de manera permanente en su sentido de innovación, para aprovechar todo aquello a lo que tiene acceso para modificar las formas de producción tradicionales.
En su continua experimentación de procesos y materiales industriales y de uso común, logra aprovechar las bondades de éstos para producir a bajo costo obras dentro de la técnica del grabado y la estampa, que masificaran la distribución de sus propuestas y lograran una interactividad con los espectadores para dar una dinámica de integración de ideas y conceptualización de las imágenes de acuerdo a sus planteamientos previamente definidos, logrando el éxito esperado.
Creo que la forma como aborda la problemática social de nuestro entorno pone de manifestó una búsqueda por encontrar soluciones, o por lo menos denunciar todo aquello que nos afecta, pero que por la costumbre pasamos desapercibidas y por ende nos vemos envueltos en la inercia del conformismo y el egoísmo de lo habitual, esta manera de darnos a conocer una realidad con la dureza de las imágenes y los soportes narrativos de las fotografías y sensibilizadas en una posición intima y totalmente personal, me da un sentido de involucración y de reflexión de todo aquello que también he visto pero que no he sabido cómo entenderlo y mucho menos, nunca me había preocupado por darle un sentido crítico bajo una estética narrativa en ese contexto poético pero a la vez doloroso.
Esa forma de interpretar la depredación que se da en las grandes urbes y los contrastes con nuestros recuerdos más intensos de una integración familiar, que se ve mutilada por la violencia constante que es característica de las grandes comunidades en desarrollo, esas agresiones que cada vez nos vuelven más insensibles y nos resta nuestra capacidad de asombro.
También detecto que en su obra, mantiene un sentido afectivo para dar vida a sus recuerdos más sencillos y triviales, aquellos momentos que dieron forma a su identidad y a su carácter, pero de paso nos comparte ese sentimiento para identificarnos y sacar de nuestros recuerdos formas de vida similares que también nos dan un sentido humano que equilibra nuestras experiencias más caóticas y nos hace reflexionar sobre la posibilidad de recuperación de nuestros valores y principios.
CONCLUSIONES
Creo que en la obra del maestro Alejandro Pérez Cruz, mantiene su contenido social dentro de un marco estético y poético acorde a un contexto cultural popular muy digerible, lo cual creo que es muy importante, si como es el caso pretende un discurso de critica a lo espectacular y de denuncia sobre el caos que se origina sobre una aparente estructura urbana ordenada y en desarrollo con las consecuencias lógicas de dicho crecimiento.
Lo anterior me lleva a reflexionar sobre el enfrentamiento con lo cotidiano y anárquico que existe en la sociedad y que nos afecta sobremanera, pero por la inercia de nuestras actividades pasamos por alto lo urgente para dar cabida a lo importante, soslayamos la presencia de los motivadores que nos carcomen nuestra capacidad intelectual, para mantenernos adormilados en un supuesto orden establecido, en esta obra lo crudo de las imágenes nos muestran un camino donde a través del rechazo de lo injusto, podamos contribuir a mejorar nuestro entorno manteniendo una esperanza de vida más cordial y humana.
El tema a tratar es sobre la obra del maestro Alejandro Pérez Cruz, desde la óptica social y dentro de un contexto poético de interpretación sobre las realidades cotidianas que dejaron huella en la intimidad del artista y que se profundizan en su formación profesional.
El tratamiento que daré a esta interpretación en el desarrollo de la exposición será, en primera instancia de carácter descriptivo y posteriormente interpretativo, dando un orden un tanto cronológico no rigorista sino con una libertad para recorrer un poco la trayectoria apreciativa de lo cotidiano del artista, con la finalidad de encontrar el punto de coincidencia entre sus percepciones analíticas y la transferencia que hace de sus ideas a la estética de su obra.
La parte descriptiva me permitirá tratar de comprender las motivaciones que influyeron en su trabajo y la parte de interpretación, me ayudara a tratar de dar un sentido en mi forma de ver, la manera en que aborda la problemática social que nos afecta a todos, pero solo algunas personas como es el caso del Maestro Pérez Cruz, toca con una profundidad reflexiva
ANTECEDENTES
Considerando la narrativa del Maestro Pérez Cruz, entiendo la substitución de algunos medios de comunicación como la televisión, con su forma de maximizar su sentido de observación tanto de su entorno que refleja la constante lucha diaria por mantener una forma de sobrevivencia urbana, donde lo cotidiano es algo que convierte en poesía vivida.
Esta situación da un significado a su formación interpretativa de la realidad, donde la expansión de su propia colonia da un sentido crítico sobre la forma en que las personas tienen que ser parte de la construcción material, económica, social, política y cultural de una nueva sociedad donde se funden las culturas de diversos estados de la República Mexicana para formar una sola identidad, marginada en un principio, pero a base de luchar en su conformación urbana pasa a ser parte primordial del desarrollo económico de la gran urbe en donde sus moradores encuentran acomodo subempleándose o logrando acomodarse en empresas que aseguran temporalmente la estabilidad familiar, para volver con sus familias con la posibilidad de lograr un cambio favorable en su desarrollo social y económico.
Este emerger de un caos deja una honda huella en los sentimientos del maestro Pérez Cruz, quien además logra alejarse lo suficiente de su entorno familiar para observar un crecimiento paralelo a su comunidad de la gran urbe, donde algún día tendría la oportunidad de enfrentar los grandes retos que marcarían hasta este momento su sentido crítico de observación de lo cotidiano y posiblemente intrascendente para algunos en virtud a las prioridades de cada quien que por lo regular soslayan lo importante por lo urgente, lo que nos afecta directamente y que por motivo de la costumbre dejamos de observar para solo ver.
Ese sentido crítico de ver las realidades de nuestro día a día, dan forma profunda a la expresión plástica que engloba las diversas problemáticas de la gran ciudad, caso concreto es la forma en que observó las consecuencias del gran sismo de 1985, que le toco vivir de cerca y gracias a su sentido creativo y no importando los medios de producción, dio rienda suelta a su talento interpretativo, utilizando para ello cualquier instrumento para aplicar trazos gestuales en soportes improvisados que dieron fuerza a su propuesta de comunicación, esta forma de hacer arte, influiría de manera permanente en su sentido de innovación, para aprovechar todo aquello a lo que tiene acceso para modificar las formas de producción tradicionales.
En su continua experimentación de procesos y materiales industriales y de uso común, logra aprovechar las bondades de éstos para producir a bajo costo obras dentro de la técnica del grabado y la estampa, que masificaran la distribución de sus propuestas y lograran una interactividad con los espectadores para dar una dinámica de integración de ideas y conceptualización de las imágenes de acuerdo a sus planteamientos previamente definidos, logrando el éxito esperado.
Creo que la forma como aborda la problemática social de nuestro entorno pone de manifestó una búsqueda por encontrar soluciones, o por lo menos denunciar todo aquello que nos afecta, pero que por la costumbre pasamos desapercibidas y por ende nos vemos envueltos en la inercia del conformismo y el egoísmo de lo habitual, esta manera de darnos a conocer una realidad con la dureza de las imágenes y los soportes narrativos de las fotografías y sensibilizadas en una posición intima y totalmente personal, me da un sentido de involucración y de reflexión de todo aquello que también he visto pero que no he sabido cómo entenderlo y mucho menos, nunca me había preocupado por darle un sentido crítico bajo una estética narrativa en ese contexto poético pero a la vez doloroso.
Esa forma de interpretar la depredación que se da en las grandes urbes y los contrastes con nuestros recuerdos más intensos de una integración familiar, que se ve mutilada por la violencia constante que es característica de las grandes comunidades en desarrollo, esas agresiones que cada vez nos vuelven más insensibles y nos resta nuestra capacidad de asombro.
También detecto que en su obra, mantiene un sentido afectivo para dar vida a sus recuerdos más sencillos y triviales, aquellos momentos que dieron forma a su identidad y a su carácter, pero de paso nos comparte ese sentimiento para identificarnos y sacar de nuestros recuerdos formas de vida similares que también nos dan un sentido humano que equilibra nuestras experiencias más caóticas y nos hace reflexionar sobre la posibilidad de recuperación de nuestros valores y principios.
CONCLUSIONES
Creo que en la obra del maestro Alejandro Pérez Cruz, mantiene su contenido social dentro de un marco estético y poético acorde a un contexto cultural popular muy digerible, lo cual creo que es muy importante, si como es el caso pretende un discurso de critica a lo espectacular y de denuncia sobre el caos que se origina sobre una aparente estructura urbana ordenada y en desarrollo con las consecuencias lógicas de dicho crecimiento.
Lo anterior me lleva a reflexionar sobre el enfrentamiento con lo cotidiano y anárquico que existe en la sociedad y que nos afecta sobremanera, pero por la inercia de nuestras actividades pasamos por alto lo urgente para dar cabida a lo importante, soslayamos la presencia de los motivadores que nos carcomen nuestra capacidad intelectual, para mantenernos adormilados en un supuesto orden establecido, en esta obra lo crudo de las imágenes nos muestran un camino donde a través del rechazo de lo injusto, podamos contribuir a mejorar nuestro entorno manteniendo una esperanza de vida más cordial y humana.
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